Técnicas de realización y producción en televisión (Cap. IV)

Millerson, G.: “Técnicas de realización y producción en televisión”

 

Capítulo IV: El poder persuasivo de la cámara

 

 Cámara ® instrumento con gran poder de persuasión ® las buenas técnicas son lo suficientemente significativas y convenientes como para añadir persuasión y significado al material en bruto del programa.

 

 Alcance de la imagen ® espacio ocupado por el sujeto en la pantalla.

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·          Plano general o amplio:  vista distante, cobertura no específica.

·          Plano general o de cobertura: vista amplia que abarca toda la acción.

·          Plano corto o de cerca: excluye los objetos circundante.

·          Plano de personas: unipersonal; de dos personas; de tres; de grupo.

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Los planos se clasifican según su efecto, con independencia de cómo se obtienen. La cámara de televisión puede explorar con éxito la escena y la acción. Los planos largos revelan el lugar, establecen el ambiente, muestran relaciones y siguen acciones amplias; pero si se sostienen mucho tiempo pueden privar al espectador de los detalles. Los planos cortos ponen énfasis, dramatizan, revelan acciones y muestran detalles; pero si se mantienen pueden llegar a ser muy restrictivos. Si usamos el plano incorrecto corremos el riesgo de frustrar al espectador, dejándolo sin información o eludiendo datos importantes.

 

Plano muy largo

(vista general)

Predomina el medio ambiente y el espectador desarrolla a menudo una actitud impersonal e imparcial frente a los personajes de la escena o un sentido de vigilancia. Localización amplia en relación al espacio.

Plano largo

(general)

Se usa para comenzar una escena, y establecer una impresión de localización de ambiente. Debe haber suficientes pistas para que el espectador pueda interpretar correctamente el tiempo, lugar y acción.

Plano medio

Comprende desde los planos de tamaño natural hasta los de tamaño medio, y su valor se sitúa entre la fuerza ambiental del plano distante y el examen cuidadoso de los planos de cerca.

Primer plano

Es una toma de mucha fuerza, que concentra el interés del espectador. Los primeros planos pueden revelar o acentuar la información que de otro modo podría pasar desapercibida, o apenas vislumbrada. Al introducir el primer plano hay que asegurarse de que el espectador desee la cercanía, y no tenga la impresión de que:

1.       le han privado de una visión más amplia;

2.       le han llevado de modo desconcertante cerca de un sujeto;

3.       se le da demasiada preponderancia a un detalle que ya es familiar;

4.       se está reduciendo la claridad de imagen;

5.       se le hace olvidar el tema principal, debido a una continua sucesión de fragmentos de primeros planos.

Hay ciertos problemas con que se enfrenta el realizador al hacer un primer plano:

1.       profundidad de campo restringida;

2.       dificultad para manejar los objetivos de ángulo estrecho;

3.       comprensión de la profundidad (perspectiva);

4.       distorsiones y riesgos de sombras;

5.       dificultad para encuadrar la imagen y seguir los movimientos de cerca.

 

 Técnicas de gran profundidad de foco ® La profundidad de campo de una escena varía con la apertura del diafragma, el ángulo del objetivo y la distancia de enfoque. Podemos por lo tanto cambiar aquella alterando cualquiera de estos parámetros. Si cerramos el diafragma, conseguiremos enfocar nítidamente tanto los objetos próximos como los lejanos. Se crea una ilusión de espacio y profundidad. Esta técnica se debilita si la cámara tiene poco movimiento, o si hay pocos planos progresivamente distantes en la imagen. De este modo, corremos el riesgo de generar una imagen plana, poco atractiva.

 

 Técnicas de poca profundidad de foco ® Si abrimos el diafragma, se reduce la profundidad de foco. Esto nos permite aislar específicamente a un sujeto, manteniéndolo nítido en un entorno borroso. Este recurso permite “suavizar” la artificialidad o indiscreción de los fondos. Sin embargo, la poca profundidad puede resultar un inconveniente cuando los detalles esenciales de un objeto cercano están muy desenfocados. Cuando en la imagen se encuentran dos o más sujetos, no se puede mantener una nitidez de foco total: hay que dividir el foco entre ambos, o enfocar sólo a uno de ellos. A veces, combinando el foco entre sujetos situados a distancias distintas, podemos hacer que la atención del espectador pase de un sujeto a otro. Pero si este truco no se combina con la acción, puede resultar molesto.

                                  

¿Por qué cambiar el ángulo del objetivo?

Para ajustar el encuadre

·          Cuando queremos excluir o incluir objetos del fondo.

·          Cuando un objetivo normal no proporciona el tamaño.

Para obtener imágenes que de otra manera resultarían imposibles de conseguir

·          Usamos un objetivo de ángulo estrecho: para planos de sujetos muy lejanos; cuando la cámara está aislada; cuando la cámara no puede trasladarse.

·          Usamos un objetivo de gran angular: cuando con el objetivo normal no podemos conseguir un ángulo suficientemente amplio, para mantener una posición de cámara medianamente cercana.

Para ajustar la perspectiva efectiva

 

·          Si alteramos el ángulo y la distancia de cámara, se modifican las proporciones relativas del sujeto y del fondo.

·          Si usamos un ángulo más amplio, se aumenta la impresión espacial y varía la profundidad.

·          Si usamos objetivos de ángulo estrecho, se reduce la impresión espacial, y se comprime la profundidad.

Si el tiempo es insuficiente, para cambiar la distancia a la que está la cámara

·          Durante cortes o pasos rápidos de secuencia.

·          Cuando el cambio de posición de la cámara implica un movimiento complicado.

Para tener una mecánica simple o más segura

·          Si usamos el zoom para acercar / distanciar la imagen, obtendremos cambios de tamaño más suaves y más fáciles.

·          El zoom también provee mayor seguridad en el cambio de tamaño que una dolly usada con rapidez.

Para aumentar la flexibilidad de la producción

·          Cuando no se puede usar la dolly.

·          Cuando poseemos una sola cámara.

Para producir distorsión

·          Para primeros planos grotescos o para aplastar los contornos.

 

 El movimiento de cámara ® En nuestra vida cotidiana, respondemos a situaciones efectuando gestos o movimientos particulares. Por eso, ciertos movimientos de la cámara evocan respuestas asociadas en los espectadores, y pueden también dar lugar a ciertas impresiones respecto de lo que estos ven en la pantalla.

 

 Panorámica Horizontal ® Muestra la relación espacial entre dos sujetos o áreas. Por medio de ella desarrollamos una impresión de espacio; pero debemos evitar la panorámica sobre áreas irrelevantes, como el espacio “muerto” entre dos personas que están distantes.

1.      P. H. de seguimiento: es la más común; sigue el movimiento de una persona o un objeto. Da cuenta de la relación entre ese sujeto y su entorno.

2.      P. H. de reconocimiento: avanza despacio por la escena, permitiendo que el espectador observe todos los detalles que desee.

3.      P. H. interrumpida: consiste en un movimiento largo y suave que se detiene de repente (a veces, en sentido contrario) para crear un contraste visual. Se usa normalmente cuando se quiere relacionar una serie de sujetos u objetos aislados.

4.      P. H. en “barrido”: Una panorámica rápida no puede producir más que una serie de imágenes interrumpidas, a medio ver, debido al efecto estroboscópico.

 La velocidad en la panorámica horizontal ® Si la panorámica es lenta y prolongada, creará una agradable expectativa o una desilusión, según cómo se haga. Si la cámara avanza sobre una serie de objetos o elementos cuyo interés o significado aumenta progresivamente, se conseguirá retener la atención del espectador y crear un clímax, pero si no hay puntos de interés, la expectación decaerá rápidamente.

 

 El barrido ® Sigue al ritmo entre dos escenas de acción rápida; siempre entraña algo de sensacionalismo. Debe ser muy preciso y apropiado para que el resultado sea bueno. El barrido produce por lo general una relación dinámica, o de cambio comparativo:

·         uniendo distintos aspectos de la misma escena;

·         proporcionando continuidad de interés;

·         cambiando los centros de atención;

·         mostrando causas y efectos;

·         comparando o contrastando;

·         trasladando tiempo y espacio cinematográficos;

·         cambiando dramáticamente la dirección.

 

 Panorámica vertical ® Al igual que la horizontal, relaciona sujetos o áreas separados. Se usa para acentuar la altura o la profundidad, o para indicar ciertas relaciones.

1.       P. V. hacia arriba: Engendra impresiones de aumento del interés, emoción, expectación, esperanza y anticipación. 

2.       P. V. hacia abajo: Se relaciona con una disminución del interés y la emoción; decepción, tristeza y examen crítico.

 

 Altura de la cámara ® El ángulo desde el cual se hace la toma de un sujeto puede tener una influencia considerable en la actitud del espectador hacia ese personaje. En un drama, podemos escoger la altura de cámara dependiendo de si queremos acentuar o reducir la fuerza dramática de una persona, o para controlar el impacto del diálogo.

1.       Tomas de ángulo contrapicado (desde abajo): Las tomas contrapicadas hacen que los sujetos parezcan más fuertes, poderosos, imponentes, extraños o siniestros. En una toma muy contrapicada, el sujeto adquiere una apariencia deforme y mística.

2.       Tomas de ángulo picado (desde arriba): Las tomas picadas dan al espectador un sentido de fuerza o superioridad (respecto de la imagen), un sentido de tolerancia e incluso condescendencia. Las tomas desde ángulos muy picados transmiten el sentido de mirar hacia abajo y escudriñar. Las tomas sobre la cabeza  acentúan la forma y el movimiento grupales, y revelan aislamiento o aglomeraciones.

Las tomas con ángulos extremos tienen el inconveniente de atraer la atención hacia la irregularidad o ingenuidad de la posición de la cámara. Si permitimos que el espectador se pregunte cómo hemos conseguido ese plano, significará que el propósito mecánico ha interferido al propósito artístico. Cuando los ángulos extremos surgen de modo natural, los espectadores los aceptan enseguida. Las tomas picadas crean una relación fuerza-audiencia / debilidad-sujeto; las contrapicadas invierten ese efecto. Si el ángulo es muy picado, el espectador tendrá una visión global; si la vista es aérea, dominaremos la extensión del paisaje.

 

 Movimiento de la cámara ® La libertad de movimiento de cámara depende del tipo de soporte que se usa. Si escogemos bien los movimientos aumentaremos el interés y la vitalidad, y podremos despertar ciertas reacciones en la audiencia. Los movimientos de la cámara necesitan estar motivados y ser apropiados y controlados con suavidad y a velocidad adecuada, pues de lo contrario, llegarán a ser desconcertantes y molestos. 

Los efectos del movimiento de la cámara destacan más cuando se toma un objeto estático. La sensación de movimiento se reduce, igualmente, cuando la cámara se mueve al mismo tiempo que el sujeto. Cuando la cámara está estática, en cambio, nos parecerá que el actor se mueve hacia nosotros o se aleja de nosotros, y ese efecto será objetivo. El movimiento de cámara condiciona mi comportamiento frente al sujeto: somos nosotros los que nos movemos, levantándonos para mirar, o para ir al encuentro del sujeto y satisfacer nuestra curiosidad,  o para ver mejor un detalle. Cuando el actor camina hacia la cámara, o se aleja de ella, la audiencia se convierte en “receptora” de su actitud.

 Tratamiento subjetivo ® El movimiento subjetivo de la cámara crea en la audiencia un efecto participativo. Si el realizador es hábil, persuadirá a su público para que no se oponga a un cambio de visión o a un movimiento.

 

Seguimiento del sujeto

En plano general

El impacto en la audiencia se produce por el movimiento del entorno, lo que limita la importancia del personaje.

En plano corto

El sujeto domina, la influencia del ambiente es limitada.

Desde plano corto a largo

Al comienzo predomina el ambiente, pero luego aumenta gradualmente el del sujeto, al acercarse.

Desde plano largo a corto

Se usa para describir una situación trágica o de anticlímax.

Llegando a destino antes que él

La imagen muestra relaciones espaciales, y da tiempo al espectador para que asimile el destino antes de que llegue el sujeto.

Conmutación del sujeto estático con su lugar de destino

Es un tratamiento simple pero carece de fuerza; la relación espacial o el significado no serán muy claros para el espectador.

Movimiento imitativo

La cámara puede con su movimiento generar observaciones subjetivas sobre la acción en sí; por ejemplo, tambalearse como un borracho, o caminar presumidamente como un dandy. Al atraer la atención sobre sí misma, el movimiento de cámara supone un puesto de observación crítico entre el realizador y su público.

 

 Uso del zoom ® Es un recurso tentador, ya que consiste en una operación fácil que no exige mucho del camarógrafo. Sin embargo, el empleo del zoom solo “simula” el movimiento de la cámara: al no producir cambios naturales, la escala, la distancia y la forma del objeto se distorsionan. La toma con zoom puede crear un puente visual. El acercamiento rápido del zoom genera una visión rápida y altamente dramática del sujeto o tema. Los planos con objetivos zoom sobre superficies planas nos evitan la operación de seguimiento de foco que necesitamos con la dolly. Con el zoom se puede producir también un cambio controlado del tamaño de los rótulos. El zoom de acercamiento se utilizará para dirigir la atención, aumentar la tensión, dar énfasis o restringir la cobertura. La toma con zoom debe emplearse con motivo, y en casos concretos.

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